Restaurer et conserver la Haute-Couture : l’exemple de Madeleine Vionnet aux Arts Décoratifs

Ce colloque Restaurer et conserver la Haute-Couture : l’exemple de Madeleine Vionnet aux Arts Décoratifs est organisé à l'Institut national du patrimoine, en partenariat avec les Arts Décoratifs qui propose jusqu'au 31 janvier 2010 une exposition rendant hommage à Madeleine Vionnet.

Le colloque s’articulera autour de quatre axes :
La Haute-Couture : un patrimoine européen
La Haute-Couture au-delà des modes : une matérialité à pérenniser
Des techniques de restauration sur mesure : études de cas et innovations
Restaurer, conserver et exposer : les défis de la mise en lumière

Lieu du Colloque : INP, Auditorium Colbert, 2, rue Vivienne, 75002 Paris
Métro : Bourse, Palais-Royal, tél. : 01 44 41 16 41

Pour en savoir plus sur l'exposition et le projet de restauration du fonds Madeleine Vionnet rendez-vous sur le site des Arts Décoratifs : http://www.lesartsdecoratifs.fr/

Beautés monstres. Curiosités, prodiges et phénomènes

Exposition au musée des Beaux-Arts de Nancy, jusqu'au 25 janvier 2010.

Dans les arts d'Occident, le monstre se décline sous les formes les plus variées, qui vont de l'enluminure et de la sculpture médiévale aux créations les plus originales. Exploité à des fins très diverses pouvant aller de l'allégorie la plus élaborée à la satire et à la caricature, le monstre a constitué de tous temps une source d'inspiration artistique inépuisable. A travers plus de 200 œuvres de la Renaissance aux expressions les plus contemporaines, associant arts graphiques, peintures, sculptures, objets d’art, photographies, l’exposition Beautés monstres témoigne de la profusion iconographique du monstre.

Albrecht Dürer, Jacques Callot, Lavinia Fontana, Agostino Carracci, Grandville, Max Ernst, Henri Michaux, Brassaï, André Kertész, Martial Raysse, Roland Topor ou encore Orlan, autant d’artistes différents réunis dans cette exposition qui propose pour la première fois une synthèse sur la représentation du monstre dans l’art.

Un catalogue de l'exposition est édité chez Somogy. En marge des illustrations, Beautés monstres propose une synthèse critique sur la question à travers sept grands thèmes développés par des historiens de l'art et des philosophes.

Le Corps d'une Reine - Histoire singulière d'Élisabeth de Valois 1546-1568

Sylvène Edouard, Le Corps d'une Reine - Histoire singulière d'Élisabeth de Valois 1546-1568, Rennes, Presses universitaires, 2009.

Le corps de la reine est celui d'Élisabeth de Valois, fille d'Henri II et de Catherine de Médicis, qui fut princesse de France puis reine d'Espagne de 1559 jusqu'à sa mort en 1568. À partir de sources diverses et originales, Sylvène Édouard propose une biographie du corps de la reine pour démontrer qu'il fut un et politique. En soulignant l'importance du langage des signes corporels dans les cours de France et d'Espagne à la fin de la Renaissance, le sujet se déplace d'une cour à l'autre, où les cultures du corps furent différentes, au point de devenir des frontières symboliques entre ces « nations ». Les signes éloquents du corps majestueux de la reine et son devoir d'enfanter un héritier révèlent aussi, de son baptême à sa mort, une pratique du don, celui de ces corps princiers qui furent éduqués pour se donner pleinement à leur dignité.

The Marvelous Hairy Girls. The Gonzales Sisters and Their Worlds

This book (Yale University Press, 2009) tells the extraordinary story of three sixteenth-century sisters who, along with their father and brothers, were afflicted with an extremely rare genetic condition that made them unusually hairy. Amazingly, the Gonzales sisters were not mocked or shunned, but were welcomed in the courts of Europe, spending much of their lives among nobles, musicians, and artists. Their double identity as humans and beasts made them intriguing, and the girls and their father were the subjects not only of medical investigations but also of a considerable number of portraits, some of which still hang in European castles today.

Using the Gonzales family as a lens, historian Merry Wiesner-Hanks examines their varied and wondrous times. The story of this family connects with every important change of their era—political and religious violence, colonial conquest, new forms of scholarship and science—and also provides insights into the complex relationships between beastliness, monstrosity, and gender in early modern life.

Merry E. Wiesner-Hanks is Distinguished Professor of History, University of Wisconsin-Milwaukee. Her many books includeChristianity and Sexuality in the Early Modern World and the prize-winning Women and Gender in Early Modern Europe, now in its third edition. She lives in Mequon, WI.

Les Heures du jour - Dans l'intimité d'une famille de la haute société, de Louis XIV à la IIIe République

Exposition : Musée Magnin, Dijon (19 nov. 2009- 14 février 2010)

Témoignage d'un patrimoine artistique rare, l'hôtel Lantin retrouve le temps de l'exposition les charmes d'un quotidien disparu. Entrons dans les pas du premier maître des lieux et suivons la vie de cette maison jusqu'à Maurice Magnin et sa soeur Jeanne. Le catalogue retrace les anciens usages de la journée d'une famille de la haute société et en observe l'évolution au fil des XVIIe, XVIIIe et XIXC siècles. Se laver, se parer, converser, prier, étudier, lire, recevoir, relèvent de modalités qui n'ont cessé d'évoluer durant ces trois siècles. Voyeuse à jouer, table à trictrac, bonheur-du-jour, cabaret égoïste, cave à odeurs ou encore lorgnette "indiscrète" sont autant d'objets précieux aux noms et fonctions aujourd'hui insolites qui ponctuent les pages de ce livre aux côtés d'oeuvres d'art classiques. Un passé révélé à travers une centaine d'illustrations et qui laisse entrevoir à quel degré de raffinement pouvaient être élevés les simples faits et gestes du quotidien.

Rich Apparel: Clothing and the Law in Henry VIII's England

English dress in the second half of the sixteenth century has been studied in depth, yet remarkably little has been written on the earlier years, or indeed on male clothing for the whole century. The few studies that do cover these neglected areas have tended to be quite general, focusing upon garments rather than the wearers. As such this present volume fills an important gap by providing a detailed analysis of not only what people wore in Henry's reign, but why.

The book describes and analyses dress in England through a variety of documents, including warrants and accounts from Henry's Great Wardrobe and the royal household, contemporary narrative sources, legislation enacted by Parliament, guild regulations, inventories and wills, supported with evidence and observations derived from visual sources and surviving garments. Whilst all these sources are utilised, the main focus of the study is built around the sumptuary legislation, or the four 'Acts of Apparel' passed by Henry between 1509 and 1547. English sumptuary legislation was concerned primarily with male dress, and starting at the top of society with the king and his immediate family, it worked its way down through the social hierarchy, but stopped short of the poor who did not have sufficient disposable income to afford the items under consideration. Certain groups - such as women and the clergy - who were specifically excluded from the legislation, are examined in the second half of the book.

Combining the consideration of such primary sources with modern scholarly analysis, this book is invaluable for anyone with an interest in the history of fashion, clothing, and consumption in Tudor society.

About the Author: Dr Maria Hayward is a reader in History at the University of Southampton and she is a specialist in material culture at the court of Henry VIII. Her books include The 1542 Inventory of Whitehall (2004) and Dress at the Court of King Henry VIII (2007).

I Medici. Une renaissance en papier d'Isabelle de Borchgrave.

Musée du Cinquantenaire à Bruxelles (jusqu'en avril 2010).

C'est la première fois qu'une exposition importante des oeuvres de l'artiste belge Isabelle de Borchgrave est organisée dans son pays d'origine. Vingt-neuf costumes, qui ont déjà été exposés au Palazzo Medici à Florence au printemps 2009, seront en effet présentés au Musée du Cinquantenaire dès le 20 novembre prochain. Ces créations, réalisées en papier coupé, plié, collé et peint à la main, selon une technique du trompe-l'oeil qui leur donne toute l'apparence de la réalité, sont inspirées par la mode florentine en usage à la cour des Médicis à l'époque de Laurent le Magnifique (1449-1492). Du drapé aux coloris en passant par la richesse des coiffes et la sophistication des bijoux, l'illusion est absolue. Isabelle de Borchgrave, avec la rigueur d'une historienne de l'art, s'appuyant sur une recherche méticuleuse, imite à la perfection la soie, le velours, les broderies ou la dentelle de jadis. Ses oeuvres, d'une incroyable richesse, plongent le spectateur au coeur d'une époque disparue.

Les hommes-objets au cinéma

L’homme a toujours joué de son corps. Mais tout a changé depuis que le cinéma joue du corps de l’homme : tantôt exacerbées jusqu’au ridicule, tantôt torpillées jusqu’aux larmes, les normes de la virilité ont été bousculées par le 7^e art.

S’attaquant à un sujet qui garde sa part de tabou, les auteurs nous mènent des icônes du cinéma muet aux stars bodybuildées d’aujourd’hui, en passant par les torses avantageux de l’âge d’or hollywoodien ou les minets des seventies.

Ils explorent les diverses façons dont le cinéma a érigé la chair masculine, non moins que le corps féminin, en objet de délectation visuelle pour les unes et les autres, et interrogent le plaisir que chacun ressent à éprouver à travers ces figures sa propre sensibilité érotique...

Les apparences de l'homme. Penser l'objet et l'ornement corporels

Un appel à contributions pour pour le vol.59 (2) de Civilisations à paraître en décembre 2010 : « Les apparences de l’homme. Penser l’objet et l’ornement corporels ». Numéro coordonné par Gil Bartholeyns.

Ce numéro de Civilisations s’efforce de repenser l’esthétique corporelle en s’attaquant à quelques obstacles qui empêchent sa compréhension au niveau des sociétés humaines en général. Croisant les regards historiens et anthropologiques, le volume proposera des études de cas et des contributions plus épistémologiques. Les textes porteront un regard critique sur les façons actuelles de conceptualiser l’objet et l’ornement corporels, en histoire ou en sciences sociales.

Pour en savoir plus, cliquer sur le lien du titre de cet article. Date limite d'envoi des propositions de contributions, le 7 décembre 2009.

Recherche d'articles pour la revue Apparence(s)

La revue électronique Apparence(s) recherche des articles sur tout thème en relation avec sa ligne éditoriale [http://apparences.revues.org/index122.html].

Le numéro 2010 sera un numéro "De tous poils", particulièrement consacré aux pilosités et à la chevelure.

Apparence(s) est publiée sur le portail des publications électroniques ouvertes Revues.org.

Fééries indiennes (Musée de la Compagnie des Indes, Lorient, France)

6 juin - 14 décembre 2009

Des rivages de l’Inde au Royaume de France, en passant par la Perse, le musée de la Compagnie des Indes invite à la découverte des cotonnades indiennes imprimées : « les indiennes ».

Exotisme des motifs, chatoiement des couleurs, fraîcheur de la matière : l’exposition propose au visiteur du XXIe siècle de ressentir l’émerveillement des populations européennes du XVIIe siècle face à ces textiles dont les secrets de fabrication, filage et tissage du coton, peinture et impression sur étoffe, sont alors méconnus en Europe mais parfaitement maîtrisés par les artisans indiens.

Ce savoir-faire ancestral est apprécié dans toute l’Asie et, forts de cette supériorité technologique, les Indiens adaptent leur production pour le marché d’exportation. La réponse aux demandes du Moyen-orient prend la forme des fameuses « Perses » que l’Europe admire également.

A partir du XVIIe siècle, les agents des Compagnies des Indes découvrent ces marchandises, qu’ils utilisent à l’origine comme monnaie d’échange en Asie pour obtenir les épices. Mais, quand les Britanniques présentent ces joyeuses étoffes florales à la clientèle européenne, ils suscitent un engouement jamais démenti jusqu’à la fin du XVIIIe siècle.

Les navires des compagnies des Indes importent ces textiles dans des quantités de plus en plus importantes pour satisfaire les besoins des Européens, tant dans l’ameublement que dans l’habillement. Les indiennes deviennent tentures murales, garnitures de lits, de fauteuils, mais aussi caracos, jupes, robes, brassières d’enfant, robes d’intérieur, etc.

La « folie de l’indienne » est telle que, pour protéger les producteurs de textiles français, une prohibition totale frappe ces tissus pendant trois quart de siècle. Le port de ces vêtements est puni de galère perpétuelle et leur vente peut conduire à la pendaison ! La dureté de la prohibition propulse les indiennes au firmament des objets désirables… Une contrebande active, alimentée, en partie par les marins des compagnies des Indes, permet de fournir le marché souterrain goûté par toutes les élégantes, de la favorite du roi à la demoiselle de province.

Les exceptionnelles collections des musées de Lorient et Mulhouse, réunies pour la première fois, se dévoilent dans une véritable féerie florale indienne.

Study Day : Great Britain, France and the world of fashion during the Second World War (Paris, november 13 th 2009)

Joint Anglo-French Dress History STUDY DAY, November 13, 2009, to celebrate the exhibition: ‘Accessoires et objets, témoignages de vies de femmes à Paris 1940-1944’ at the Mémorial du Maréchal Leclerc de Hauteclocque et de la Libération de Paris, Musée Jean Moulin, Montparnasse, Paris.

This exhibition is the result of work undertaken by Christine Levisse-Touze (Conservatrice en Chef, Mémorial du Maréchal Leclerc de Hauteclocque et de la Libération de Paris), with Dominique Veillon (CNRS) and Fabienne Falluel and Marie-Laure Gutton on behalf of the Musée de la Mode de la Ville de Paris, Palais Galliera.

Venue for the Colloque: IHTP, 59-61, Rue Pouchet, 75849 Paris 17.

To read the programme : http://afhe.ehess.fr/document.php?id=1360

Accessoires et objets, témoignages de vies de femmes à Paris 1940-1944 (exposition, Paris, 20 mai-15 nov. 2009)

Pour la première fois, en association avec Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris, le Mémorial Leclerc - Musée Jean Moulin organise une exposition consacrée aux accessoires de mode sous l’Occupation, à partir d’un ensemble de 300 objets issus des collections de Galliera, enrichi de prêts publics et privés. De 1940 à 1944, les Parisiennes s’adaptent aux conditions imposées par l’occupant et le gouvernement de Vichy : attendre durant des heures devant les magasins, faire face à la pénurie. Malgré tout, la vie reprend ses droits : les cinémas et les théâtres, seuls lieux chauffés, n’ont jamais été autant fréquentés.

Centre national du costume de scène (Moulins, France)

Le Centre National du Costume de Scène a ouvert ses portes le 1er juillet 2006.

Plus qu’un musée, le Centre National du Costume de Scène est un espace inédit de conservation, d'expositions et de formation.
8000 costumes de l'Opéra National, de la Comédie française et de la Bibliothèque nationale y sont conservés.

Quartier Villars,
Route de Montilly
03000 Moulins
Tél : 04 70 20 76 20
Email : info@cncs.fr

Musée de la Mode et du Textile (musée des Arts décoratifs, Paris)

Dès son ouverture, en 1905, le musée des Arts décoratifs compte un important département textile : soieries, broderies, toiles imprimées, vêtements liturgiques, dentelles, tapisseries... dont le fonds, au fil du temps, ne cessera de s'enrichir. En 1948, l'Union française des arts du costume (Ufac) est créée parFrançois Boucher avec pour objectif la mise sur pied d'un musée du Costume. Sous l'impulsion de son conservateur, Yvonne Deslandres, le fonds de l'Ufac devient rapidement l'une des collections du XXesiècle parmi les plus importantes au monde. En 1981, un accord est conclu entre l'Union centrale desarts décoratifs (Ucad) et l'Ufac qui, tout en gardant chacune leur autonomie et leur identité, allient leurs forces pour créer un musée des Arts de la Mode qui ouvre ses portes cinq ans plus tard, en 1986. Le musée de la Mode et du Textile conserve actuellement quelque 16.000 costumes du XVIIIe siècle à nos jours, 35.000 accessoires de mode, 30.000 pièces de textile ; soit 81.000 oeuvres qui retracent l'évolution du costume, de la Régence à aujourd' hui, le développement de l'innovation textile depuis leXIVe siècle, et dont 90% proviennent de donations faites par des particuliers, des créateurs ou des fabricants. Ces collections comptent parmi les plus importantes au monde avec celles du musée Gallieraà Paris, du musée des Tissus de Lyon, du Victoria & Albert Museum de Londres, et celles duMetropolitan Museum de New York. A découvrir des pièces exceptionnelles de textile depuis le XIVe siècle et de mode depuis le XVIIe siècle, ainsi que des créations de couturiers du XXe siècle, tels Paul Poiret, Madeleine Vionnet, Jeanne Lanvin, Elsa Schiaparelli, Mainbocher, Chanel, Pierre Balmain,Christian Dior, André Courrèges, Paco Rabanne, Yves Saint Laurent, Christian Lacroix et encoreAzzedine Alaïa.

Fusion Culture: Fashion beyond Orientalism and Occidentalism

University of Potsdam (Germany), November 5-7, 2009, house 8, rooms 0.60/0.61

Programme:

Thursday, November 5, 2009

Introduction: Prof. Dr. Gertrud Lehnert & Prof. Dr. Gabriele Mentges

Section I: Orientalism as Sensual Fantasy of „Other“ and “Self”

Ina McCabe (Tufts University, USA) Orientalism in France: Shaping Fashion through Resisting the Exotic

Gabriele Mentges (Technische Universität Dortmund, Germany) Positions and Demarcations. The Oriental Othering in the Costume Books of the Renaissance

Nicole Pellegrin (Institut d'Histoire Moderne et Contemporaine, France ) Être (dés)habillé en Turc : habits de parade et vêtements d'intérieur. Pour une histoire de la robe de chambre masculine (XVIe-XIXe siècles)

Nina Trauth (Universität Trier, Germany)«As favoured by Europeans»: Oriental Clothing in Portraiture

Marianne Koos (Université de Fribourg, Germany)Artists and Garments in Transfer. The Case of the Genevan 'Peintre Turc' and 'Peintre de la vérité' Jean-Étienne Liotard

Section II: Practices of Fragmentation and Assimilation of the „Other“

Gertrud Lehnert (Universität Potsdam, Germany)Orientalism in 18th and 19th Century Fashion Journals

Daniel Devoucoux (Technische Universität Dortmund, Germany)Orientalisme plus occidentalisme, ou les nouvelles strategies vestimentaires dans le cinéma de Bollywood

Friday, November 6, 2009

Continuation of Section II

Simona Segre Reinach (Università IUAV di Venezia, Università IULM di Milano, Italy )From “made in China” to “made for China”

Yuniya Kawamura (State University of New York, USA)The Globalization of Japanese Lolita Fashion

Section III: Re-Orientalizing, Re-Occidentalizing: Cross Cultural Consumption, Cultural Self-Reflexion, Return of the Local

1. Transcultural Concepts of Fashion

Giorgio Riello (University of Warwick, United Kingdom)Fashion and the Four Parts of the World: Historical Interpretations of Fashion as Concept and Practice in the Early Modern Period

Dorothy Ko (Columbia University, USA)Fashion in the Orient: Toward a Definition of Non-Western Fashion

Pravina Shukla (Indiana University, USA)The System of Fashion in the East – Dress in Modern India

2. Transculture, Fusion Culture

Lise Skov (Copenhagen Business School, Denmark)How Orientalism/Occidentalism in Fashion Design is Produced, Discovered and Valued across Cultures

Heike Jenß (Parsons The New School for Design, USA)Hybrid Wardrobes: Fashioning Trans-Cultural Identities

Mona Abaza (The American University in Cairo, Egypt)Ethnic Chic, Islamic Fashion and the Globalisation of Fashion in Egypt Reception and Performance of Oriental Dance

Saturday, November 7, 2009

3. Re-Orientalizing

Maxine Berg (University of Warwick, United Kingdom)Trading Asian Export Ware 1650-1800

Reina Lewis (University of East London, United Kingdom)Mixing and Matching: Fashion and the Politics of Cultural Exchange

Emma Tarlo (Goldsmiths University of London, United Kingdom)Dis-Orienting Fashion: Islamic Fashion Trends in the West

Oly Firsching-Tovar (Technische Universität Dortmund, Germany)Reviving Kimono: Fashion as Memory at the Turn of the Century

Organisation: Prof. Dr. Gertrud Lehnert (Universität Potsdam)Tel.: +49 (0)331-977-4180E-Mail: glehnert@uni-potsdam.de

Prof. Dr. Gabriele Mentges (Technische Universität Dortmund)Tel.: +49 (0)231-755-2960 E-Mail: gabriele.mentges@tu-dortmund.de

Le prince et son portrait incarner le pouvoir dans l'Allemagne du XVIe siècle

La Réformation ne donne pas seulement naissance à une nouvelle manière de croire, mais aussi à une nouvelle manière de voir. Dans l'Empire allemand, si Luther tolère les images dans les églises, il n'en provoque pas moins l'apparition d'une nouvelle iconographie religieuse et profane. On peut en effet relier à la prédication luthérienne et au combat confessionnel la multiplication d'images du prince, produites par l'atelier de Lucas Cranach, peintre graveur attitré des Électeurs de Saxe, premiers défenseurs du Réformateur. Ce nouvel art visuel du portrait donne naissance à des formes inédites de la représentation de l'autorité politique. En réponse à cette expansion du portrait protestant, les princes catholiques de l'Empire s'engagent eux aussi dans une production visuelle nouvelle. Ainsi s'instaure, à côté du combat des armes et de la parole, une guerre des images dont l'enjeu est bien la reconnaissance légitime d'une foi, mais aussi la redéfinition du pouvoir civil. Après la paix d'Augsbourg (1555) qui reconnaît une existence légale aux luthériens, les formes de représentations de ces derniers tendent à capter les modalités figuratives impériales et monarchiques, fondées pourtant sur un modèle catholique de l'Incarnation. Le portrait du prince adossé à une importante réflexion théorique sur son autorité devient un des moyens de penser un pouvoir en pleine mutation.

Madeleine Vionnet, puriste de la Mode

Les Arts Décoratifs présentent Madeleine Vionnet, puriste de la Mode, première rétrospective parisienne rendant hommage à l’une des plus grandes couturières françaises du XX^e siècle à travers cent trente modèles de 1912 à 1939 conservés aux Arts Décoratifs. Pionnière dans la maîtrise de la coupe en biais et de l’art du drapé, elle a su mettre son génie au service des femmes et de leur bien-être. Madeleine Vionnet a permis une véritable transformation de la silhouette et de l’esthétique, marquant ainsi l’évolution de l’émancipation du corps féminin. Figure phare de la haute-couture de l’entre-deux guerres, Madeleine Vionnet est considérée comme « le couturier des couturiers ».

Dressing the Body / El cuerpo Vestido

Une très intéressante exposition du DHUB / "Disseny Hub Barcelona" (Espagne) qui propose un voyage dans l'histoire du vêtement entre 1550 et 2000 et de son rapport à la morphologie du corps humain.

Une video présente l'exposition mais elle est uniquement en Catalan.

Distribution Networks for Textiles and Dress, c.1700 and 1945 (conference)

A conference to be held at the University of Wolverhampton, UK on: 8 and 9 September 2010

The Pasold Research Fund and the Centre for the History of Retailing and Distribution (CHORD) invite proposals for a conference exploring the retailing and marketing of textiles and dress between c.1700 and 1945. Proposals are invited for papers on any aspect of this topic, on any distribution/retailing format, and focusing on any geographical area. Areas of interest include (but are not limited to):

* Advertising and branding
* Sales techniques, display and technologies
* Second-hand and ‘informal’ acquisition: charity; theft; gifting; inheritance
* Retail innovation and development
* Retail/distribution chains
* Fashion retailing and marketing
* International comparisons
* The relationship between retailing and production
* Retailing and class / gender / ethnicity /age

Proposals are invited both for individual papers and for sessions. Shorter papers (c.15 minutes) for a ‘New Researchers’ session are also welcome. Please send title, one page abstract, a list of 3 to 5 key words and if proposing a session, a cover letter with title and one-paragraph session description, to the address below (if possible via e-mail) by 19 March 2010. Please state whether you would like to be included in the New Researchers’ session.

For further information, please e-mail Laura Ugolini: L.Ugolini@wlv.ac.uk

Histoire de femmes, histoire de fringues

Une émission de Stéphanie Duncan, le samedi de 14 h 04 à 15 h

Sur France Inter, jusqu'au samedi 29/08/2009

Une histoire de la mode et du style grâce à cette émission légère et documentée, musicale et stylée, riche en anecdotes, témoignages émouvants et drôles, robes sexy, décolletés vertigineux, talons hauts et sandales plates…

La révolution Chanel, les zazous des années noires, le New Look de Dior, le style Jacky Kennedy, Yves Saint-Laurent, la mini-jupe, la mode hippie, le scandale du bikini, le disco, les épaulettes, le look grunge… Mais aussi comment nos mères, grands-mères et arrière-grands-mères s’habillaient, se coiffaient, à quoi elles rêvaient en se regardant dans la glace ou en feuilletant les magazines de mode…

Stéphanie Duncan a déniché à l’INA des archives qui concernent la mode et le style depuis les années 1930 jusqu’à aujourd’hui.

Haute couture et prêt-à-porter. Dames des beaux quartiers et femmes de la rue.

Reportages, compte-rendu de défilés, interviews de grands créateurs, de personnalités proches de la mode et de petites mains, émissions de conseils pratiques pour dames… chaque samedi, une histoire des femmes et de leurs atours.

Dressed to Kill

Du 3 avril 2009 au 17 janvier 2009, à la Tour de Londres

Une exposition qui présente les armures qui furent fabriquées pour le roi d'Angleterre Henry VIII. Certaines d'entre elles sont très spectaculaires !

"Le vêtement de travail" : appel à contributions

Appel à contributions pour un colloque organisé par l'Université de la Mode, Université Lumière Lyon 2, les 30 et 31 mars 2010

« Le vêtement de travail » (titre provisoire)

Le colloque se déroule sur 2 journées de Communications et d’animations (exposition, conférence chantée, défilé, etc…).

Plusieurs axes de réflexions (et de communications) seront abordés :

. sémiologie du vêtement de travail :

- qu’est-ce qu’un vêtement de travail ? quels sont les éléments qui le définissent comme tel ? éléments historiques, sociologiques,symboliques (référence au royal, au religieux), fonctionnels, etc…

- l’aspect juridique du vêtement de travail,

- les codes du vêtement de travail,

- la part du rituel,

- la vie du vêtement de travail : fabrication, fonctionnalité et sécurité,hygiène et entretien, sécurité, usures, friperie et détournement….,

-le vêtement de travail secteur de l’économie,

. vêtement de travail et vêtement au travail :

- l’appropriation du vêtement de travail et l’appartenance un corps professionnel,

- exemple des travailleurs à domicile,

. vêtement de travail, vêtement d’image, vêtement de mode :

- le trench, la marinière, la blouse, le jean, le tablier, les chemises, etc…

- la beauté du vêtement de travail, matières, couleurs (le blanc des soignants, le bleu « marine de certains uniformes, la garance, etc…),

- le vêtement de travail et l’uniforme,

- créer de la mode à partir du vêtement de travail ,

. le vêtement de travail aujourd’hui :

- les matériaux innovants : les tissus intelligents, les matières protectrices utilisés dans le vêtement de travail, le vêtement de travail et le développement durable,

- les créateurs qui font du vêtement de travail.

Contact : Martine Villelongue, Université Lumière Lyon 2, Université de la Mode, 86, rue Pasteur 69007 Lyon - e-mail : villelongue@wanadoo.fr